ESCUELA
REGIONALISTA-PAISAJE Y PUEBLO
EPOCA
PRECOLOMBINA
MUSEO DE ORO
El Museo del Oro Precolombino
“Álvaro Vargas Echeverría”, llamado simplemente Museo del Oro Precolombino o
Museo del Oro, es un museo histórico, arqueológico y cultural ubicado en San
José, capital de Costa Rica.
El Museo del Oro Precolombino
posee una extraordinaria colección de objetos elaborados en oro, los cuales
reflejan la cosmovisión, la estructura social y la orfebrería de los pueblos
precolombinos que ocuparon el actual territorio costarricense. La exhibición
muestra el uso y la función de las piezas, la tecnología, así como la relación
con la naturaleza y la vida diaria de estos grupos humanos.
Los artesanos precolombinos
residentes en la zona que actualmente es Costa Rica, trabajaron el oro nativo
de procedencia aluvial, el cual se obtenía de las arenas de los ríos y las
riberas de las costas, y se lavaba en bateas de madera. El arte del trabajo de
los metales requería una habilidad particular, un aprendizaje largo y
complicado, que realizaban especialistas a tiempo completo.
La colección del museo está
constituida por 1600 piezas de oro precolombino que datan desde el año 500
hasta 1500 de nuestra era. Contiene también objetos precolombinos elaborados en
cerámica y piedra, procedentes de distintas regiones geográficas del país:
vasijas en formas diversas, objetos, estatuas y utensilios en piedra,
utilizados en la vida cotidiana y ceremonial de los pueblos.
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| Parte de lo que podemos ver en el museo |
MUSEO
DEL JADE
El Museo del Jade y de la
Cultura Precolombina, llamado simplemente Museo del Jade, es un museo
histórico, cultural y arqueológico ubicado en San José, Costa Rica,
perteneciente alInstituto Nacional de Seguros (INS). Resguarda una colección
arqueológica conformada por una amplia gama de artefactos de cerámica, hueso,
madera, concha y piedra como estatuaria, metates, manos de moler y otros, sin
embargo, su principal atractivo es la enorme cantidad de piezas arqueológicas
confeccionadas con piedras semipreciosas conocidas en su conjunto como jade,
colección considerada como la más grande del mundo con respecto a esta piedra
preciosa.
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| El arte de revivir el pasado |
La exhibición del Museo del Jade se divide en seis salas de acuerdo a características histórico-arqueológicas:
Umbral: se
encuentra en el primer nivel del museo. Allí se puede observar una pintura
mural obra del pintor costarricense César Valverde Vega. También se encuentra
un bloque de jade en bruto, que es el icono del nuevo museo. Este espacio
presenta el escenario cultural y ecológico donde se desarrollaron las
sociedades precolombinas costarricenses que trabajaron el jade. Busca a partir
de un efecto museográfico descubrir la maravilla de las piezas de jade,
mediante su exposición en una gran vitrina en forma de serpiente, en donde
pueden apreciarse los objetos de jade de la colección.
El jade: ubicada
en el segundo nivel, esta sala aborda el proceso de elaboración del jade, así
como su procedencia. Se puede observar un mapa en el que se exponen las rutas
comerciales precolombinas por las cuales se comerciaba la piedra. Además, se
observa la manera en que se trabajó, su simbolismo, uso social y función en
ceremonias chamánicas.
El día: esta
sala, en el tercer piso, da énfasis en destacar las actividades relacionadas
con el día a día de la gente, su relación con el entorno natural, así como las
representaciones de los animales en el jade, la piedra, la cerámica y otros
materiales. Se hace una revisión de las actividades relacionadas con la
obtención de los alimentos mediante la caza, la pesca y la agricultura, las
actividades cotidianas, detalles de la arquitectura y características de la
dieta.
La noche: ubicada
también en el tercer piso, esta sala aborda temáticas relacionadas con el
inframundo, la noche y las creencias culturales, así como la trascendencia
simbólica de animales sagrados como el murciélago y la lechuza. Se aborda el
tema de la guerra, los rituales de enterramiento, y en general, la visión
cosmogónica y de mundo de estas culturas.
Memoria
ancestral: esta sala del cuarto piso valora la importancia de la arqueología
a través de un área interactiva. También se muestran las indumentarias
precolombinas, el tipo de música y su significado, la tecnología empleada para
la elaboración de instrumentos y utensilios, y la diversidad sexual y roles de
género, así como las tradiciones heredadas de los indígenas que aún se
conservan en Costa Rica.
Acopio
visitable: ubicada en el quinto piso, en esta sala se resguardan objetos de
diferentes materiales de las tres distintas regiones arqueológicas del país:
Gran Nicoya; Región Central, Pacífica Central y Atlántica; y Diquís.
EPOCA COLONIAL
TEATRO NACIONAL DE COSTA RICA
El Teatro Nacional de Costa
Rica es el principal teatro de Costa Rica.
El Teatro Nacional es un
edificio de arquitectura historicista terminado en el año de 1897. Se le
considera uno de los inmuebles más importantes de la historia nacional, y
principal joya arquitectónica de la ciudad de San José. Su construcción guarda
un profundo significado dado que representa la decisión del costarricense a la
hora de emprender acción y de la estabilidad económica (traída por la cosecha
de café) y política de la época en la que fue construido. Como institución, el
Teatro Nacional promueve la producción de las artes escénicas de alto nivel
artístico y conserva para el uso del público varias de las obras de arte más
valiosas del país. Ha sido declarado monumento nacional, institución benemérita
de las artes patrias y patrimonio histórico-arquitectónico de Costa Rica. La
construcción del Teatro Nacional se inició en enero de 1891.
No se escatimaron gastos para
la construcción de este teatro. Se utilizaron maderas preciosas en su mayoría
provenientes de la provincia de Alajuela, además se importó hierro, mármol, oro
y vidrios franceses para los materiales del Teatro. La construcción duró unos
seis años (se esperaba que fuese en dos, pero la obra era demasiado complicada
para la época). La inauguración oficial fue el 19 de octubre de 1897, con la
ópera "Fausto", de Charles Gounod, interpretada por la Compañía
Francesa Aubry.
Posee una arquitectura
renacentista del más puro estilo neoclásico, con mármoles traídos de Italia y
decorado en su interior con escenas de la recolección de café; la más popular
de las obras pictóricas del Teatro es un óleo sobre lienzo creado por Aleardo
Villa en 1897 conocido popularmente como la "Alegoría del café y el banano",
cuyo nombre oficial es "Alegoría del Comercio y la Agricultura de Costa
Rica", que describe la vida económica del país en segunda parte del siglo
XIX y primeras décadas del siglo XX, basada en el bicultivo de café y banano y
el modelo agroexportador. Esta pintura fue reproducida en el billete de cinco
colones durante algunas décadas, a finales del 1960.
Las partes más importantes
que componen el Teatro Nacional son: la Fachada, el Vestíbulo, la escalera
principal, el foyer, y el auditorio.
En el interior de la obra
arquitectónica se puede apreciar un delicado estilo neo-renacentista con
imponentes lámparas de puro cristal y columnas de mármol de Carrara.
Actualmente, las
presentaciones que se interpretan en el teatro son seleccionadas con
anterioridad para mantener la más alta calidad posible. También hay funciones
de la Orquesta Sinfónica Nacional y de otros compositores extranjeros de
renombre.
EPOCA REPUBLICANA
Fadrique Gutiérrez
En 1872, se dedica
a la escultura, esculpiendo el busto de
Próspero Fernández Oreamuno. En 1876, diseña y construye el Fortín de Heredia,
y su casa, a la que llama "La Fortina", en la que establece una destilería
clandestina. Para 1876, se dedica al dibujo de planos arquitectónicos,
destacándose el del Instituto de Alajuela y los de varias casas de Heredia. Ese
mismo año, es exiliado nuevamente por razones políticas.
Gutiérrez es
expatriado y reside en El Salvador. En 1896 vuelve al país y se le niega la
residencia en Alajuela y Heredia, siendo confinado por el presidente Yglesias a
Esparza, en la provincia de Puntarenas, donde fallece en 1897 a la edad de 50
años.
OBRA
El Fortín, la obra más
reconocida y perdurable de Fadrique Gutiérrez.
La obra de Fadrique
Gutiérrez ha sido dada a conocer gracias a una biografía suya escrita por Luis
Dobles Segreda, bajo el nombre "Fadrique Gutiérrez: hidalgo extravagante
de muchas andanzas". En la actualidad, se le considera un precursor de la
escultura contemporánea nacional, pues fue el primero en utilizar la piedra
como materia prima, esculpió el primer desnudo del arte escultórico
costarricense y, aunque iniciado en el arte religioso, esculpió las primeras
esculturas de temática laica. En su trabajo combinó técnicas tradicionales de
la imaginería colonial con temas profanos y la piedra como material de trabajo,
demostrando su proceso de evolución estilística y laicalización.
EPOCA MODERNA
Enrique
Echandi
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| Autoretrato |
Enrique Echandi Montero (San
José 17 de febrero de 1866 –, ibídem, 19 de febrero de 1959) fue un pintor
costarricense, famoso ante todo por sus retratos oficiales de presidentes de su
país y por la representación no canónica del heróe nacional Juan Santamaría en
su cuadro La quema del Mesón.
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| Echandi trabajando en su estudio |
Después de terminar la
primaria, Echandi ingresó en el Instituto Nacional de Costa Rica (años 1870),
donde fue alumno de Enrique Twight (1825-1884), que daba clases de acuarela y
de quien hizo un retrato al carboncillo, y Enrique Etheridge (1862-1893), que
enseñaba dibujo y pinutra al óleo y pastel.
Enrique Echandi viajó en 1886
a Alemania, donde estudió primero en la Academia de Pintura y Dibujo de Leipzig
y después en la Escuela de Bellas Artes del Instituto Real de Estudios de
Múnich (1888-1891).
OBRAS
El cuadro de Echandi que más ha dado que hablar
es probablemente La quema del Mesón, en la que el héroe costarricense Juan
Santamaría es representado «como un mulato de ensortijado cabello (lo que
apunta a la ascendencia negra de Juan), descalzo, y dando fuego al alero del
Mesón con una larga caña como tea (símbolo de la libertad) en una de sus
crispadas manos; ya manando sangre, evidentemente impactado por muchas balas.
 |
| La quema del mezon |
 | |
| Retrato de Ana Montero de Echandi |
Pintó retratos tanto
particulares como oficiales, entre los que cabe citar los de los presidentes de
Costa Rica José Joaquín Rodríguez Zeledón, Ascensión Esquivel Ibarra, Cleto
González Víquez y Alfredo González Flores.
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| Ascención Esquivel Ibarra |
 |
| Cleto González Víquez |
"Aunque nunca trabaja en
la Escuela Nacional de Bellas Artes, a partir de 1891 da clases particulares a
jóvenes que desean conocer sobre arte o didicarse a la pintura".
Echandi murió en su ciudad
natal, a los 93 años de edad, y está sepultado en el Cementerio General.
MAX JIMENEZ
MAX JIMENEZ
Max Jiménez (San José, Costa Rica, 16 de abril de 1900 -
Buenos Aires Argentina, 3 de mayo de 1947) fue un escritor, novelista, poeta,
periodista, escultor y pintor costarricense.
La pintura de Max Jiménez está bastante relacionada con sus
trabajos de escultura, principalmente por la creación de volúmenes muy
semejantes y por el uso de la deformación, consciente, en la mayoría de las
figuras. Sus temas y figuras son principalmente tropicales y su estilo difícil
de clasificar se puede considerar vanguardista.
Empezaron a interesarle las técnicas de grabado en madera y
viaja a Estados Unidos a estudiarlas en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva
York. En 1938 comenzó a perfeccionar su técnica del óleo y empezó a innovar con
materiales fabricados por él mismo. En 1939 viajó a París donde expuso diez
óleos con gran éxito de crítica.
En 1943 viajó a La Habana donde se relacionó con diversos
artistas y siguió pintando sus temas tropicales y temas de negros cubanos.
Expuso en esta capital 14 óleos.
En 1945 regresó a Costa Rica donde hizo una exposición de 21
óleos, casi todos ya exhibidos anteriormente en Europa y Cuba, pero tiene una
pobre acogida entre la crítica de su país.
En 1946 viajó a Chile y poco después a Buenos Aires donde
murió en medio de una terrible crisis creadora y existencial.
OBRAS
 |
| del agua al cielo |
 |
| Desesperanza |
 |
| ventana a la Habana |
Conozcamos un poco mas sobre las obras de Max Jimenez:
GRUPO 8 (LA VANGUARDIA TICA)
Difusor del arte abstracto en
Costa Rica. Con la formación del Grupo ocho en 1961, el país enfrento de golpe
el arte moderno. Felo García cuenta que la idea de conformarlo le surgió un día
en que Néstor Zeledón G. lo fue a buscar dolido para relatarle lo duramente que
habían criticado Margarita Bertheau y Francisco Amighetti unas esculturas que
pronto iba a exponer, las cuales habían llegado a un punto avanzado de
estilización y descomposición de la figura. Esto unido al poco éxito obtenido
en su exposición y también en la de Manuel de la Cruz González, realizadas en
el Museo Nacional en 1958, lo motivo a reunir a una serie de artistas para luchar
contra el medio.
Incorporaron a su cruzada a
Luis Daell, Harold Fonseca, Hernán González, Manuel de la Cruz González,
Guillermo Jiménez y Cesar Valverde, y en 1962, a Lola Fernández y a Rafael Ángel
García, la mayoría de los cuales habían recientemente regresado del extranjero,
trayendo consigo inquietudes y nuevas ideas estéticas.
En un documento de carácter vanguardista,
escrito por Hernán González a manera de manifiesto y publicado en la revista
Brecha del mes de julio de 1961, expusieron entre otras cosas, sus objetivos,
uno de los cuales decía así “Queremos engendrar un nuevo movimiento artístico
nacional capaz de desarrollar las artes plásticas en sus más variadas
manifestaciones. Esta declaración muestra que el interés del grupo apuntaba en
general hacia el arte moderno, y no solo hacia la no configuración.
INTEGRANTES
DEL GRUPO 8
RESEÑA
BIOGRAFICA Y OBRAS
1 LUIS DAELL
Luis
Ávila Vega (Heredia, Costa Rica, 16 de marzo de 1927—1998), llamado por su
pseudónimo, Luis Daell, fue un pintor costarricense, conocido principalmente
por sus obras de arte en acuarela. Es uno de los introductores del arte
abstracto en Costa Rica durante la década de 1960, como parte del denominado
Grupo Ocho.
Estudió
en la Academia de Bellas Artes de Costa Rica, siendo discípulo de los
connotados artistas Margarita Bertheau, Fausto Pacheco y Teodorico Quirós.
Allí, recibió un premio de pintura mural y otro de óleo.
Posteriormente,
en la década de 1940, pasó a la Akron Art Institute de Cleveland, Estados
Unidos, así como en el John Heagen College de Los Ángeles y en la Universidad
de Cornell, lugares donde su pintura evolucionará a otras dimensiones. Fue
miembro fundador del Grupo de los Ocho, grupo de artistas que introdujeron el
arte abstracto y el arte moderno en Costa Rica a partir de 1961. Junto con
Rafael Ángel García, fue uno de los fundadores de la institución que luego
sería el Ministerio de Cultura y Juventud de Costa Rica.
Fue
profesor del Departamento de Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de
la Universidad de Costa Rica. En 1970, siendo director César Valverde Vega,
fundó en dicha facultad la carrera de Artes Gráficas. Ese año, su obra Madonna
ganó el primer premio en el Concurso de la Estampilla del Ministerio de
Cultura. También incursionó en el arte muralista. En el Akron Art Institute,
fue profesor de pintura mural. Uno de sus frescos, llamado El mercado, se
encontraba en una pared del antiguo edificio de la Facultad de Bellas Artes.
Dicha obra de arte fue destruida con la demolición del edificio. En Costa Rica
también pinto el mural La piedad, con temática de la Guerra Civil de Costa Rica
(1948). Falleció
en 1998.
Obra
Su
técnica preferida fue la acuarela, en la cual destacó su trazo firme y hace
gala de un gran dominio y experimentación técnica. Utiliza atrevidamente el
color, donde diluye el pigmento en zonas, lo que produce la impresión de
aguadas o texturas variadas. Entre sus numerosos temas, destaca la
representación de zona atlántica de Costa Rica, donde recoge el sabor caribeño
de la provincia de Limón. También realizó cuadros en óleo y acrílico.
 |
| La piedad |
 |
| Los pescadores |
HAROLD
FONSECA
Desde
los 10 años, el pintor Harold Fonseca sucumbió ante el misticismo y la belleza
del arte precolombino.
Hoy, 68
años después, las impresiones de aquel arte sintético, de colores naturales
(cafés, verdes y negro) y con gran impacto visual nutren su obra y se mezclan
con elementos de influencia europea y afrocaribeña para mostrar su universo
creativo: Latinoamérica.
Fonseca,
quien vive en Fort Lauderdale (Estados Unidos) desde 1957, presenta, a partir
de hoy, la muestra Caminos en la Casa de Cultura Popular José Figueres Ferrer
(barrio Escalante)
El
artista es integrante del desaparecido Grupo 8, conjunto que revolucionó la
plástica nacional al abrir una brecha para los artistas jóvenes e introducir el
abstraccionismo al país.
Gracias
a su excelencia como ilustrador es contratado por la Organización de Estados
Americanos (OEA), donde conoció al historiador y crítico de arte José
Gómez-Sicre, quien lo ayudó a realizar su primer exposición individual en 1960
y lo incorpora a la Primera Exhibición de Arte Contemporáneo como
representación de Costa Rica.
Después
fue diplomático de la OEA en Costa Rica y forma el Grupo 8. "Luis Daell,
Felo García, Hernán González, Manuel de la Cruz González, César Valverde,
Néstor Zeledón, Guillermo Jiménez y yo estábamos unidos por un mismo propósito:
sacar a los artistas de los closets donde estaban metidos", explicó
Fonseca.
OBRAS
HERNÁN
GONZÁLEZ
Hernán
González Gutiérrez (San José, Costa Rica, 31 de diciembre de 1918 - 14 de
octubre de 1987) fue un escultor, abogado, agricultor y gerente bancario
costarricense. Fue uno de los escultores más importantes de la década de los
sesenta en Costa Rica.
Se
dedicó a la escultura siendo ya un hombre maduro, a los 40 años de edad. Inició
sus estudios en escultura en 1957, en Woodstock (Nueva York), con el escultor
estadounidense Harvey Fite. A su regreso, se instaló en la Guácima de Alajuela
donde construyó su casa y su estudio.
En sus
inicios, se dedicó a esculpir animales, siguiendo la tradición escultórica de
1930. En 1960, entró al medio artístico nacional, produciendo sus obras más
significativas. Fue integrante del Grupo 8, generación de artistas plásticos
costarricenses que impulsó el arte nacional. Ganó el Premio Nacional de
Escultura en dos ocasiones, en 1961 y 1969. Entre 1982 y 1986, fue Ministro de
Cultura durante el gobierno de Luis Alberto Monge Álvarez, durante el cual se
enfocó en fortalecer la cultura y las artes de cada región de Costa Rica a
través de la creación de Casas de la cultura en todas la zonas del país. Bajo
el lema "La cultura al encuentro del hombre" pretendió descentralizar
el concepto de cultura y estimular la identidad cultural del costarricense
.
Falleció
en San José el 14 de octubre de 1987.
OBRAS
La escultura de González es
de características monolíticas, utilizando como técnica la talla directa en
piedra y en madera. Se inició en el tema de la animalística, pero luego orientó
su escultura hacia la síntesis de formas y hacia un respeto por la forma
original del material con que trabajaba. Tuvo un periodo importante con la temática
de la esfera, inspirada en las esferas precolombinas de piedra y en el
pensamiento de Pierre Teilhard de Chardin sobre la evolución del hombre. La
década del 60 será su etapa más productiva como escultor.
MANUEL
DE LA CRUZ GONZÁLEZ
Manuel
de la Cruz González Luján (San José, Costa Rica, 16 de abril de 1909—22 de
septiembre de 1986) fue un pintor y escritor costarricense, conocido
principalmente por sus pinturas de arte abstracto, siendo uno de los primeros
artistas en introducir el arte contemporáneo en su país. Recibió el Premio
Nacional Aquileo J. Echeverría de pintura en 1963, y el Premio Nacional de
Cultura Magón, el máximo galardón de la cultura costarricense, en 1981.
En 1961
fue uno de los fundadores del Grupo Ocho, conformado además por otros cinco
pintores (Rafael Ángel García, Harold Fonseca, Luis Daell, César Valverde Vega
y Guillermo Jiménez Sáenz) y dos escultores (Néstor Zeledón Guzmán y Hernán
González Gutiérrez). La mayoría de sus miembros se habían formado en el exterior,
por lo que el Grupo Ocho fue fundamental en el despegue del arte nacional,
revolucionando la plástica costarricense con la introducción del arte
abstracto, rompiendo de esa manera con el arte clásico que predominaba durante
esta época. Dos años después, fue galardonado con el Premio Nacional de
Pintura.
En 1964,
junto a Carlos Moya, Rafa Fernández y Claudio Carazo, formó el Grupo Taller, al
que luego se integraron Teresita Porras, Sonia Romero Carmona y José Luis López
Escarré. Estos artistas participaron en múltiples exposiciones tanto en Costa
Rica como en el exterior.
Realizó
gran cantidad de exposiciones individuales y colectivas en Costa Rica, Cuba,
Venezuela y Estados Unidos, entre 1935 y 1986.
Falleció
en su ciudad natal el 22 de septiembre de 1986. El Museo Histórico Dr. Rafaél
Ángel Calderón Guardia bautizó con su nombre una de sus galerías.
OBRAS
 |
| guajira |
 |
| homenaje a lorca |
 | ||||
| La chicha |
GUILLERMO
JIMÉNEZ
Guillermo Jiménez Sáenz
(1922-1988) fue un pintor costarricense. Es uno de los iniciadores del arte
abstracto en Costa Rica, pues integró, junto a otros siete artistas de su
época, el denominado Grupo Ocho, uno de los movimientos artísticos más
importantes de la historia del arte moderno de Costa Rica, en la década de
1960. Fue profesor, catedrático y vicedecano de la Escuela de Bellas Artes de
Costa Rica, y docente en la Casa del Artista. Su obra se caracterizó por un
grado de abstracción muy marcado, al aplicar en sus pinturas una combinación de
planos geométricos.
CESAR VALVERDE
César
Valverde Vega (San José, 8 de marzo de 1928 — ibídem, 3 de diciembre de 1998)
fue un pintor, escritor y abogado costarricense. Además fue planificador,
funcionario público y diplomático. Fue uno de los primeros muralistas de Costa
Rica e integrante del Grupo Ocho, grupo de artistas costarricenses que
introdujeron el arte abstracto en Costa Rica en la década de 1960, lo que
generó una revolución artística en el medio nacional. Profesor y luego director
de artes plásticas en la Universidad de Costa Rica, fue viceministro de Cultura
durante la administración de Rodrigo Carazo Odio (1978-1982), recibió el Premio
Nacional Aquileo J. Echeverría de pintura en tres ocasiones, y escribió varios
libros, incluyendo una novela corta. Se le considera uno de los grandes
maestros de la vanguardia del arte costarricense.
Trabajó
varios años en la Oficina de Planificación del gobierno costarricense, antes de
poder dedicarse de lleno a la pintura a partir de los años 70. Fue profesor de
artes plásticas en la Universidad de Costa Rica y fungió como Director de esa
escuela a mediados de los años 70.
Falleció
por peritonitis en 1998, el mismo año que otros artistas renombrados de Costa
Rica como Francisco Zúñiga, Francisco Amighetti y Luis Daell.
Obra
Artes plásticas
En mi pintura
la mujer ha sido una constante. La forma femenina representa el género humano y
sus formas me permiten resolver plásticamente mi ideal de la belleza.
La obra de Valverde se inició con la técnica del óleo,
además de utilizar técnicas mixtas y serigrafías, centrando su expresión
artística en la parte estética, de modo que las pinturas irradian orden, medida
y ritmo consciente, buscando el ideal de belleza en contraposición a lo real y
desagradable. Dentro de su actividad artística, la temática femenina fue una
constante. Su obra pictórica mural es de gran relevancia.
LOLA FERNANDEZ
Inicios y abstracción. Lola
Fernández (Cartagena, Colombia, 1926) ingresó en la Escuela de Bellas Artes de
la Universidad de Costa Rica en la década de 1940; en 1946 viajó a Bogotá para
especializarse en pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad
Nacional de Colombia, y en 1954 profundizó su conocimiento pictórico en la
Academia de Bellas Artes de Florencia, Italia.
En esta etapa de formación,
su obra fue perdiendo énfasis en la línea y el dibujo cuando los contornos
marcados comenzaron a borrarse para dar paso a la mancha pictórica.
La artista siempre tuvo
interés por el arte moderno, razón por la cual, en 1958, tras su retorno a
Costa Rica, su primera exposición incluyó arte no figurativo. Esta muestra
representa –junto con dos exhibiciones individuales de Felo García y Manuel de
la Cruz González– los inicios del arte abstracto en nuestro país.
En la década de 1960, su obra
abarcó las vertientes figurativa y no figurativa con igual vehemencia, y hay
incluso composiciones que pueden calificarse a la vez de abstractas y
representativas pues reúnen, sin límites claros, elementos de una y otra
condición.
Sin embargo, su obra
abstracta –representada por distintas series que llevan los nombres de Serie
del río , La violencia , Oriente , Los volcanes y Espacio – fue la que llamó la
atención de críticos de la talla de José Gómez Sicre y Marta Traba, quienes le
dieron un lugar privilegiado dentro de la plástica latinoamericana como una
exponente de la tendencia conocida como “informalismo”. A diferencia de la
abstracción geométrica, el informalismo implica una gran libertad técnica y
compositiva.
Figuración y más... De forma
paralela al desarrollo de sus creaciones no figurativas, Lola Fernández trabajó
en los años 60 en distintos grupos de “retratos”, la mayoría de ellos de
personajes imaginarios.
OBRAS
 |
| Naturaleza muerta |
 |
| carnaval |
 | |
| realidad convulsa |
Lola Fernandez - la pintura es como la vida
RAFAEL
ANGEL GARCIA
Rafael Ángel García Picado
(Paraíso de Cartago, Costa Rica, 30 de julio de 1928), conocido como
"Felo" García, es un pintor, arquitecto y ex-jugador de fútbol
costarricense. Se le considera uno de los fundadores de la pintura abstracta en
Costa Rica. Por su obra, se le otorgó el Premio Nacional de Cultura Magón en el
año 2008. Además, jugó fútbol profesional en Inglaterra, Cuba, Venezuela y
Colombia.Interesado
en la arquitectura, en 1947 el gobierno de Teodoro Picado, familiar distante,
le concedió una beca para estudiar en el Building and Arts de Londres, pero se
la retiraron cuando estalló la Revolución del 48.
En 1954 vuelve a Inglaterra becado para continuar sus estudios. Allí encontrará la respuesta a sus inquietudes pictóricas en el expresionismo abstracto, movimiento a través del cual los artistas canalizaron sus sentimientos con obras donde lo importante son los elementos plásticos tales como el color, la línea, las texturas, el espacio y no la realidad objetiva. También formó, junto a otros estudiantes de su misma universidad, el grupo Nueva Visión con la intención de pintar, intercambiar ideas, criticarse y exponer en diferentes lugares.
Posteriormente con otros artistas forma el grupo Ocho, impulsando el arte abstracto y realizando diferentes actividades culturales que llenaron el vacío existente. En esa exposición de 1958 presentó obras relacionadas con el expresionismo abstracto y la pintura matérica, que emplea materiales no tradicionales como arenas, aserrín y yeso. Paralelamente empezó a desarrollar la abstracción caligráfica y gestual propia del "action painting", tendencias en las que se introduce a través del tema de la gran ciudad con sus rascacielos y edificios amontonados. Ya en Bahía dejó de ver ese interés por la pintura gestual, con pinceladas arrastradas y espontáneas y pintura estrellada contra la tela.
En 1954 vuelve a Inglaterra becado para continuar sus estudios. Allí encontrará la respuesta a sus inquietudes pictóricas en el expresionismo abstracto, movimiento a través del cual los artistas canalizaron sus sentimientos con obras donde lo importante son los elementos plásticos tales como el color, la línea, las texturas, el espacio y no la realidad objetiva. También formó, junto a otros estudiantes de su misma universidad, el grupo Nueva Visión con la intención de pintar, intercambiar ideas, criticarse y exponer en diferentes lugares.
Posteriormente con otros artistas forma el grupo Ocho, impulsando el arte abstracto y realizando diferentes actividades culturales que llenaron el vacío existente. En esa exposición de 1958 presentó obras relacionadas con el expresionismo abstracto y la pintura matérica, que emplea materiales no tradicionales como arenas, aserrín y yeso. Paralelamente empezó a desarrollar la abstracción caligráfica y gestual propia del "action painting", tendencias en las que se introduce a través del tema de la gran ciudad con sus rascacielos y edificios amontonados. Ya en Bahía dejó de ver ese interés por la pintura gestual, con pinceladas arrastradas y espontáneas y pintura estrellada contra la tela.
 |
| Caserio |
 |
| patio tendido |
 |
Un largo
camino del día hacia la noche,
Tríptico,
Técnica mixta,1999
|
Obras de coleccion de arte, la ciudad del artista Rafael Angel Garcia
GRUPO BOCARACA
El grupo
Bocaracá reúne en sus filas desde 1988 a once artistas plásticos que manifiestan
en el arte costarricense la representatividad de las principales tendencias
creativas actuales.
En tanto
que artistas contemporáneos, inmersos en una realidad concreta, recogen las
sensaciones estéticas de su entorno y las plasman en un producto artístico.
Sin duda
que cada Integrante del grupo, según su propia experiencia, investigación,
ángulo de acercamiento a esa realidad, dominio técnico y constancia, plasma de
manera distinta pintura como deleite visual, del color como pigmento que
construye la imagen y practica la simplificación de la forma como inspiración
en el arte Etrusco y Precolombino, en lo que descubre que el realismo puede
expresarse de una manera diferente. Su pintura es una mirada optimista
proyectada hacia el paisaje, es futuro, es alegría de vivir.
INTEGRANTES
LUIS CHACON
Dentro de los nuevos
conceptos científicos, el color aceptado como energía. Así cada color, cada
tono, cada matiz, posee su valor específico de energía. A la hora de pintar
hago relaciones cromáticas, con diferentes frecuencias de energía (los
colores), y construyo una especie de molécula energética que ensamblada
orgánicamente a la totalidad del cuadro, forma una unidad indivisible.
Actualmente utilizo una dominante cromática, es decir un color principal al
cual responde sonoramente los demás colores por medio de imágenes, la mayor
parte de las veces, ingenuas pero cargadas de energía. En resumen, utilizo
imágenes agradables para hacer profundas investigaciones en el campo del color.
Luis Chacón aprende de
la artista Lola Fernández, la actitud seria frente a la pintura, siendo
estudiante en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica.
Siendo aún estudiante, comulga con la escuela colorista de Washington, así como
con los Logic color painter. En 1976, Chacón parte a París donde trabaja como
asistente del artista cinético Carlos Cruz Diez, quien le enseña los secretos
del color. Como consecuencia de sus viajes por Italia en 1980, y su paso por la
región toscana, descubre la pintura funeraria-etrusca.
Chacón se nutre de lo
abstracto integrando el paisaje como tema. Hace uso de especie de dípticos y
trípticos con la intención de establecer armonías por contraste (rojo-verde o
azul-amarillo) y armonías por analogías (degradación del color). Sobre esta
base de colores planos y puros diseña paisajes con una gran libertad empleando
líneas y trazos de color, puntos y arabescos, donde ya no importa si el cielo
es azul o rojo, verde o rosado.
OBRAS
ANA
MARTEN (SAN JOSE, 1961)
Martén posee un gran
inventiva para observar, recrear y transformar los elementos característicos de esas culturas y
descubrir un mundo mágico, primitivo,
mítico y su relación con el hombre y su
entorno.
Estos signos-sfmbolos, en las
técnicas mixtas, se integran al igual que el hombrea la naturaleza, crea un
fluir natural entre magia y naturaleza.
Mientras realiza
estudios de pintura en la Escuela de Artes Plásticas en la Universidad de Costa
Rica (1980-1985), se interesa (1984-1986), por investigar en las diversas
técnicas del textil mediante libros, continuos viajes al exterior, profesores y
especialistas en la materia. En esta búsqueda, aprende a hilar algodón, mezclar
tintes naturales, a usar telares y a trabajar con el papel hecho a mano, como a
tejer plástico, alambre, cabuya y otros materiales poco tradicionales. Esta
investigación se complementa por la pasión que siente por los diseños de
alfombras persas, diseños textiles coptos, persas, peruanos, cretenses, el arte
islámico y africano como por la orfebrería y la cerámica, los telares indígenas
y la tecnología contemporánea orientada hacia lo utilitario con calidad en el
diseño. En 1984, y paralelamente a esta investigación empieza a realizar sus
propios trabajos plásticos, empleando la cera como medio de resistencia el
caso del batik, sobre papel y otros soportes. Los colores y formas losobtiene
mediante el empleo del óleo compacto, acrílico, gomas y tintes reactivos que tiñen el
algodón.
En este sentido, su manera de trabajar se asemeja al proceso que sigue
la gráfica y en especial la serigrafía, en tanto, que pinta yendo de los
colores claros hacia los oscuros, no siendo esto de ninguna manera una
limitante para expresarse de manera espontánea, e intuitiva y sin temor al
error. Su temática es y siempre ha sido el mundo que la ha rodeado desde niña,
ese mismo jardín donde pinta, poblado de plantas, árboles y agua. Esto es lo
que se percibe en su pintura, un mundo de elementos simbólicos, donde nunca hay
un arriba y un abajo.
OBRAS
 |
| geometria sagrada |
PEDRO
ARRIETA (1954, LIMON, COSTA RICA)
En los acrílicos de Pedro
Arrieta, por el contrario, la presencia del hombre es tácita, es el ser humano
destructor, antropofágico. Sus obras de
ayer revelan una mirada nostálgica del paisaje, invadido por el vacío, silencio
e inmovilidad: la tierra agredida, masacrada y destruida por hombre.
Hoy propone un viaje
fantástico por las entrañas del globo
terráqueo, una radiografía de las fuerzas telúricas desatad Pero que el
autor controla muy bien sobre el lienzo, logra un excelente equilibrio armónico
del color y una exquisita calidad de las texturas como elemento expresivo. El
resultado es una propuesta conceptual de gran impacto visual y estético.
OBRAS
 |
| horizonte del sol |
 |
| de este lado de la ciudad |
ROBERTO
LIZANO (1951, ALAJUELA, COSTA RICA)
Es irreverente, espontáneo,
creativo, sincere original, valiente, en fin un verdadero artista.
1985 Realiza una obra dentro de la corriente del
arte matérico. Emplea cajas de cartón como soporte, además de acrilicos,
pintura comercial, collage, lápices de color y de cera. En algunos casos, ha
incorporado a sus "enormes rostros", aretes, collares, pañoletas u
otro tipo de ornamento. Para Lizano, el cartón como material, no tiene las
connotaciones de lo "pobre", como podría entenderse en otros casos.
Simplemente es importante, en tanto que le sirve como recurso técnico, para
esculpir, recortar o construir, dentro de un proceso lúdico y hedonista.
OBRAS
 |
| autoretrato |
JOSE
MIGUEL ROJAS
El tema del retrato es
escogido también por José Miguel Rojas. Se trata de catorce cuadros de pequeño
formato Inspirados en fragmento de un escrito de Marta Traba ".... idea
del retrato está ligada con la Idea central de la vida y muerte"
Este género que desde el
renacimiento experimenta un gran auge, debido a la creciente necesidad de
mostrar su status y de inmortalizarse, en Rojas destaca como una perfecta
unidad. Con un lenguaje contemporáneo, dentro de una sensibilidad expresionista
que lo caracteriza, une esta investigación a sus reconocidas imágenes del
poder. No hay ruptura, al contrario, su obra sigue siendo una clara reflexión
sobre el hombre y transmite el drama humano con eficacia.
Realiza sus primeros
estudios artísticos en la Casa del Artista (1973-1975) y posteriormente, en la
Escuela de Artes Plásticas, de la Universidad de Costa Rica (1978-1983).
Realiza su primera exposición individual Losinsepultosen 1984, sobre el tema
del anonimato urbano. En esta muestra incluye, una instalación y varios
objetos, combinados con pinturas, dibujos-collapes y poemas gráficos. Al año
siguiente (1985), y como continuación del proyecto anterior, expone una serie
de pinturas figurativas en donde recurre a la pintura de acción (action
painting), el chorreo (drippin) y el tachismo.
A partir de 1987, se acentúa su inclinación hacia el
expresionismo, esto dará como resultado, la serie en blanco y negro de las
imágenes del poder (1989), partiendo de las imágenes reiterativas que difunden
los medios de comunicación de masas, así como su pasión por la obra de Goya. A
partir del 90, recurre a lo religioso como una extensión más del poder, en este
caso, de dominación ideológica. Impresionado por el fanatismo religioso
alrededor del culto mariano, llega a investigar y a introducirse en un mundo
mágico como propio de la temática manierista y barroca, que será la pauta de su
serie llamada Misericordia.
OBRAS
FLORENCIA
URBINA (1964)
Escoge significados muy
claros para lograr una comunicación masiva. Por lo tanto, al igual que en la
tira cómica, concentra la acción, fracciona con arbitrariedad, transmite una
visión esquemática de temas actuales en los que sobresalen famosos personajes
de la política.
Urbina con gran lucidez e
ingenio, se arma de una sólida capacidad crítica, para dejar constancia por
medio de su obra, algunas veces de forma irónica, caústica o burlesca, su
posición ante el acontecer económico, político o social mundial.
OBRAS
LEONEL
GONZALEZ (1962, CHACON)
En sus inicios, se
concentra en el paisaje de las costas y sus habitantes. A partir de 1987,
cuestiona su temática, la renueva, y es, en ese preciso momento, en que aparece
dominando la escena del cuadro, grupos de negros muy estilizados. Las escenas
de estas obras, pintadas con un uso violento del color y la pincelada, dan la
sensación de estar captadas a una cierta distancia. La siguiente etapa en la
producción de Leonel González, arranca intensamente en 1988, sin apartarse del
interés por esta temática "caribeña". En esta ocasión, hace partícipe
al espectador de las conversaciones de sus personajes. Lo que anteriormente era
sugerencia, en estas nuevas telas, percibimos el detalle de la ropa, las
rosadas bocas de los negros y sus gestos, elementos que juegan un papel
determinante en la composición y totalidad del cuadro. Leonel González cubre
sus telas con grandes zonas de color empastado y recurre al dripping (chorreo),
dando paso así, a la espontaneidad, conducta que asimila, observandp a los
niños pintar.
Las
gentes y paisajes de la zona atlántica, son los temas preferidos por Leonel
González. Sus personajes se simplifican, se alargan, en suma se estilizan, como
parte de una búsqueda constante del artista. Leonel se apoya en la realidad, la
purifica, y propone una nueva posibilidad de comunicación; construye sobre un
bastidor de grandes proporciones, un mundo de gran riqueza cromática y de
texturas en que el espectador puede adivinar la iconografía propia del autor.
OBRAS
MARIO MAFFIOLI (1960, SAN JOSE)
Por medio de un proceso de
síntesis establece un sistema de relaciones entre un lenguaje abstracto de
zonas planas, machas de color de apariencia gestual, raspaduras, con elementos
figurativos, motivos realistas o representaciones geométricas. El aspecto de su
arte es espontáneo, sin embargo es reflexivo y producto de una constante
investigación sobre las posibilidades del color.
OBRAS
FABIO
HERRERA (1954)
Las palabras de Kandinsky De
lo material a lo espiritual, es lo que Fabio Herrera plasma sin lugar a dudas
en sus últimas creaciones. El resumen del alejamiento de las categorías
cerebrales para dejar paso a la reacción inmediata de los sentidos y la emoción.
Construye el espacio en tres dimensiones, perspectiva, planos de color y luz,
contrastes que animan la superficie y logra una ambientación misteriosa, en
suma, crea una nueva realidad.
OBRAS
MIGUEL
HERNANDEZ (1965, HEREDIA)
Sus inicios en el arte lo
definen como un artista figurativo realista. Luego mediante un proceso de
estudio y maduración técnica y conceptual, propone al espectador una obra de la
que se puede hacer una lectura inteligente. Algunas veces la mezcla de signos o
símbolos por su intensidad sorprenden al espectador.
Hoy presenta en esta
exposición una tela de gran formato, que se distingue por la austeridad y
economía de color. Sobre esa estructura plana monocroma coloca haces de luz, y
el resultado lo podemos definir como figuración en la proximidad.
OBRAS
OTTON
SOLIS (SAN JOSE, 1966)
En el año 1967, llega a
Costa Rica la exposición Arte italiano contemporáneo que, incluye pintura de
Alberto Burri y Giuseppe Capogrossi.
Estos artistas producen
tal impacto en Rafael Ottón Solís, al extremo de provocarle a manera de
fijación aquellos colores (rojo y negro) que aparecerán en su pintura como parte
de su vocabulario plástico.
En 1972, inicia una investigación
con plástico quemado retomando la influencia de Alberto Burri. Viviendo entre
Valencia y Barcelona (1974-1975) llega a interesarse en la obra de los artistas
del equipo Crónica y el equipo Realidad como con la obra de los artistas
ma-téricos Tapies, Guinovart, y Millares.
De carbón y de sangre titula
Ottón Solís esta instalación que presenta en los Museos del Banco Central. Con
un lenguaje propio, una gran necesidad de comunicar y sensiblemente marcado por
las vivencias de su infancia y adolescencia, Ottón Solís propone una obra
litúrgica-mágica. Mezcla en la tela; el expresionismo abstracto y en la
instalación la investigación del espacio y la perspectiva. Además agrega
elementos naturales para obtener un objeto estético que lleva indiscutiblemente
el sello de su personalidad.
Sin duda alguna, el
espectador después de contemplar esta exposición, podrá constatar la existencia
de múltiples propuestas creativas y participativas, al igual que una
atomización de formas de expresión tanto formal como conceptualmente.
Precisamente este es el
manifiesto plástico de Bocaracá: una coherencia que se mueve en la diversidad y
en la diferencia. La consigna es de seriedad, investigación trabajo y
honestidad; el resultado es una obra que mantiene la calidad y su propia
individualidad.
OBRAS
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VIDEO SOBRE VISION ARTISTICA DEL GRUPO BOCARACA
ESCULTURA
JOSE
SANCHO
En 1935 nace en Puntarenas,
Costa Rica.
Dedica varios años de su vida
a estudio y ejercicio de la economía.
Como parte de su educación
artística autodidacta, visita México, Perú, India, Italia, Grecia, Rumanía
(para conocer la obra monumental de Brancusi, quien es su principal
inspirador), Argentina, Alemania, Asia Central, China, Egipto, Medio Oriente,
Africa, la Antártica, las Islas Galápagos y la Isla de Pascua.
A partir de 1982 se dedica
por completo al trabajo escultórico.
Ha realizado numerosas
exposiciones individuales, la primera de ellas en 1975. En Jerusalén expuso en
1987. Fue invitado a exponer en la “Maison L´ Amerique Latine” en Paris, en
1989, y por invitación del Museo de Arte de las Américas expuso una obra
monumental en Washington en 1990. En agosto de 1991 fue invitado a realizar un
trabajo de características similares en Kirguizia, Asia Central.
Desde 1992 viaja
periódicamente a Carrara, Italia, a laborar directamente el mármol en el
estudio Nicoli y durante 1995 expuso en West Palm Beach, Bruselas y Ontario. En
el año 2001 expuso en Chicago y en Lahr, Alemania y en desde año un conjunto de
obras donadas al INBIOparque se expone permanentemente en sus jardines.
OBRAS
JORGE JIMENEZ DEREDIA
Jorge
Enrique Jiménez Martínez (Heredia, Costa Rica, 4 de octubre de 1954), es un
escultor y arquitecto de origen costarricense, mejor conocido como Jorge
Jiménez Deredia. Habiendo
comenzado su carrera en su país natal, Deredia se trasladó a Italia en 1976,
país en donde ha desarrollado gran parte de su obra recibiendo aclamación
internacional y privilegios únicos, siendo tal vez los más importantes el ser
el primer escultor latinoamericano en colocar una obra en la Basílica de San
Pedro, ubicada en el Vaticano, y ser el primer artista contemporáneo en exponer
sus obras en el Foro Romano, entre otros sitios de la capital italiana.
Jiménez
Deredia descubrió la escultura a los 13 años de edad, en el taller del Liceo de
Heredia; fue ahí en donde se dio cuenta de que era capaz de crear algo.Unos
años después, Deredia empezó a tallar retratos en trozos de madera y piedra,
contando con el apoyo de los talleres artísticos del Conservatorio Castella,
ubicados en Barreal de Heredia.
Poco
tiempo después centró su atención en el desarrollo de las formas orgánicas y en
el arte precolombino. Es en este momento donde se gradúa de secundaria y
empieza a visitar frecuentemente la Facultad de Bellas Artes de la Universidad
de Costa Rica.El tema de la maternidad es recurrente dentro de la obra
de Deredia. La maternidad en sus obras representa el desarrollo al tema de la
fecundidad y el nacimiento; Deredia representa este tema a través de formas
esencialmente orgánico-simbólicas, como la esfera, el útero y el seno.
OBRAS
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