martes, 17 de mayo de 2016

ARTES VISUALES DE EL SALVADOR

CORINTO - ARTE RUPESTRE.  RUPESTRE= ROCA

Corinto es un municipio del departamento de Morazán, El Salvador y es el primer momento de las artes visuales salvadoreñas, se han encontrado figuras humanas, probablemente hechas con color mineral. 

El estilo de las pinturas de Corinto se parece mucho al del paleolítico sudamericano. Algunas de las figuras son de gran tamaño, y otras no más grandes que la palma de una mano, se encuentran a veces a varios metros de altura. En su gran mayoría son representaciones humanas, algunas de ellas llevan grandes penachos en la cabeza. También se encuentran manos dibujadas casi siempre de adultos, probablemente masculinos.

Existen escasas representaciones de animales esencialmente de aves y dos figuras serpentinas. También algunas figuras que podrían representar unas plantas. La mayoría de representaciones son pintadas en rojo. Algunas están pintadas en amarillo o negro, otras están grabadas y unas pocas combinan las dos técnicas: grabado y pintura. Los colorantes utilizados son probablemente de origen mineral: ocres rojos y amarillos, o vegetal: madera carbonizada para el color negro.



LIENZO DE TLAXCALA 

El llamado Lienzo de Tlaxcala es una tela de algodón de 5 m de largo por 2 m de ancho, que fue pintada a la aguada por un artista tlaxcalteca desconocido, alrededor del año 1552. Fue encargado por las autoridades coloniales españolas durante el gobierno del virrey de la Nueva España, Luis de Velasco, con el objetivo de representar sumariamente la conquista de México y dar muestras de su fidelidad a la monarquía hispánica. Precisamente Tlaxcala había sido una de las mayores aliadas de Hernán Cortés y participó en el asedio de la capital azteca, Tenochtitlán; por esta razón recibió el título de "Leal Ciudad" en 1535.



El lienzo narra de forma secuenciada diversos episodios de la conquista de México, siguiendo el esquema de una historieta o cómic. Estilísticamente, mezcla aspectos de la tradición precolombina y el arte occidental. Ejemplo de ello es la escena superior, que representa la llegada en procesión de cuatro grupos de nobles tlaxcaltecas para unirse a los españoles.



El lenguaje visual es directo y sencillo, los sucesos son fácilmente identificables, así como los personajes protagonistas (sobre todo Hernán Cortés y la intérprete Doña Marina), y en todas las escenas se incluyen letreros con topónimos y alusiones que ayudan a la comprensión.

El Lienzo de Tlaxcala es una obra de extraordinario valor documental para conocer el desarrollo de la conquista de México. La razón de esto no estriba únicamente en la minuciosidad con que se describen cada uno de los sucesos, sino en que estos están contados desde el punto de vista de los indígenas tlaxcaltecas. Ello constituye una fuente de información de gran interés, que complementa los datos ofrecidos por otras fuentes como la Historia verdadera de la conquista de la Nueva España, de Bernal Díaz del Castillo, las Cartas de relación escritas por el propio Hernán Cortés, y Historia general de las Indias de Francisco López de Gómara. Por otra parte, el lienzo constituye un claro antecedente del cómic actual, que algunos autores han denominado acertadamente "arte secuencial"
















OPINIÓN PERSONAL SOBRE LA 
ACCIÓN DE SECULTURA

La exhibición “Última Cena - Alegoría Religiosa” en la Sala Nacional de Exposiciones  fue suspendida por Escultura, y considerando que los pintores expresan sus sentimientos y emociones por medio de sus obras sea lo que sea que pinten es arte y veo muy mal la acción de censurar solo por tratar temas no muy dignos según los dirigentes de Secultura, entiendo que las obras reflejan diferentes temas respecto a los pasajes bíblicos pero la exposición no sería en una iglesia con una religión determinada sino más bien en una sala donde el público podía llegar y sacar sus conclusiones personales.
Además es una falta de respeto hacia los artistas quienes han tenido una temática religiosa plasmándola en esas obras y queriéndolas exhibir, a un público en general, los artistas han sido muy valientes al atreverse a pintar algo que muchos consideran malo o poco religioso.
Sé que los artistas se sintieron ofendidos pues ellos pintan para exhibir y no para que se les censure. Me he dado cuenta que en este país hubieron y hay grandes artistas que se podrían comparar con los grandes pintores europeos y es muy triste saber que a los artistas salvadoreños ni en su mismo país los quieren apoyar para darse a conocer.

Es una lástima que en El Salvador las personas no tengan generalizada su religión o sean muy fanáticos a ellas pues pasan estas situaciones e incomodos momentos, hay que ser de mente abierta y respetar la perspectiva de cada persona y por ultimo digo que “No a la censura del arte salvadoreño”. 






EL SEGUNDO MOMENTO DE LAS ARTES VISUALES DE EL SALVADOR 

Leyendo el libro "Proceso del arte de El Salvador, de la escritora Astrid Bahamond Panama, pude conocer mas sobre la trayectoria artisticas de muchos pintores salvadoreños por ejemplo Wenceslao Cisnero, Carlos Alberto Imery, Salarrue, Jullia Diaz, entre otros asi como la vida artistica del español  Valero Lecha, otro gran impulsador de las Academias de  pintura en El Salvador. 
 
 
WENCESLAO CISNEROS (1823-1878)


Epoca de la República, con el empieza la pintura salvadoreña.



(San Salvador, El Salvador, 4 de octubre de 1823 - La Habana, Cuba, 12 de junio de 1878) fue un pintor, dibujante y litógrafo salvadoreño. Es considerado el primer artista de formación académica de este país.

Trasciende los límites nacionales y se mantiene activo en Europa y especialmente en la Academia de Pintura San Alejandro, de la Habana que dirige por diecinueve años.
Cisneros parte a Francia a los dieciséis años, y desde ese momento se manifiesta su arrolladora personalidad en los ámbitos más cosmopolitas, lo que le favorece para introducirse en los círculos más estrictos de la corte francesa. Gracias a Maurice Gicoux, pintor neoclásico de la corte napoleónica, no solamente recibe la influencia estilística, sino el apoyo para instalar prontamente su taller, desde donde practica la litrografia, en la Rue de Seine cerca de la RueMazarin, callecilla paralela al taller del pintor francés Eugene Delacroix, a quien lo frecuenta y quien lo conduce al romanticismo.
El estilo clásico como el romántico se evidencian en la obra de Cisneros, en 1856 regresa a América visitando primeramente a México; nos obstante queda cautivo por la belleza de la Habana, se hace conocer prontamente como pintor de obras finas, tanto que gano la dirección de la prestigiosa Academia de Pintura San Alejandro, en 1859, gracias a la propuesta de una metodología de enseñanza innovadora que consiste en el trabajo con modelos vivos,  sustituyendo la manera copista convencional. Igualmente, se intensifica la formación de los artistas con el complemento teórico e histórico, es decir, al tiempo que se enseñan las bases del color, el dibujo natural y el dominio de la draperia, se introduce al alumno en el mundo de la teoría e historia del arte y cultura en general.
El neoclasicismo es la rehabilitación del arte griego que se basa en el amor y la naturaleza.
Francisco Wenceslao Cisneros traduce mucha filosofía y concepto artístico dentro de la Academia de Pintura San Alejandro. Cuba se ve envuelto en luchas independistas, desarrolladas en el último cuarto de siglo, Cisneros se ve inmerso dentro de una situación revolucionaria como las luchas separatistas, sin embargo se dedica a su labor artística y docente. Se especializa en la caricatura política y la técnica de la litografía. En él se distingue el género del retrato, del paisaje, los temas alegóricos cristianos y las exquisitas alegorías extraídas de la mitología clásica. En 1878 cae gravemente enfermo y muere en la Habana donde deja todo su legado.
La iconografía manejada por Cisneros se caracteriza por la etapa academica del retrato puro. En su etapa de marcada tendencia delacroixiana, la inclinación libre de Cisneros por las temáticas de recuperación mitológica se hace sentir. De esta etapa también podemos apreciar en El Salvador “Las hijas de lot”, por ejemplo donde la factura del maestro se vuelve más pictográfica y los torsos semidesnudos de las hijas del personaje bíblico recuerdan mucho a los de los personajes femeninos de “La muerte de Sardanapalo, de Delacroix.

La obra de consagracion fue el retraro de Manuel Gallardo 

 

Las Hijas de Lot - Wenceslao Cisneros

En el siguiente vídeo veremos un resumen de la vida y obra del maestro Cisneros


PINTURA HISTORICA

La pintura historica se puede apreciar en las obras del pintor chileno Luis Vergara Ahumada, en mi visita a la ExCapres observe diferentes obras del pintor chileno entre las cuales esta el primer grito de independencia de 1811, firma del acta de independencia y el ocaso de un sol (muerte de Arce).

EXCAPRES, San Jacinto - Lugar donde se pueden aprecias las obras de Luis Vergara Ahumada


Conozcamos un poco mas sobre la vida del pintor Ahumada: 


LUIS VERGARA AHUMADA

(La Serena, Chile, 8 de septiembre de 1917 - La Paz, Bolivia, 16 de enero de 1987) fue un pintor chileno. Realizó sus estudios en el Instituto Pinochet-Lebrún en la ciudad de Valparaíso y también en España en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

En El Salvador, Vergara pintó sendos cuadros entre los años 1957 y 1959 con la asesoría del historiador Jorge Lardé y Larín que representan importantes hechos y personajes de la época independentista, tales como: Primer Grito de Independencia, Firma del Acta de Independencia y El ocaso de un Sol, todas ubicadas en la ex Casa Presidencial de ese país. Las dos primeras obras han sido reproducidas en numerosas formas, ya sea en billetes, cromos, afiches y sellos postales.

Sus padres fueron Pedro Alejandrino Vergara Cortez y Luisa Ahumada Martínez. En Chile contrajo matrimonio con Aída del Carmen Villarroel Busto, con quien procreó a dos hijos: Tristán e Isolda Vergara Villaroel; otro hijo del pintor es Luis Alejandro Vergara Arteaga, nacido en Nicaragua.






La primera obra  que observe fue el grito de independencia del prócer José Matías Delgado, es interesante ver como el artista plasmo dicho suceso, teniendo unos trazos muy seguros, la expresión de los rostros muy bien definidos, utilización de luces y sombras, expresionismo,  etc. 


El primer grito de independencia 1811











La segunda obra que vi fue la firma del Acta de Independencia de 1821, el artista cuido cada detalle utilizando muy bien el trazado.


Firma del acta de independencia













La siguiente obra fue "El ocaso de un sol del General Arce" (1957-1959)
Esta pintura retrata la visita del presidente Doctor Eugenio Aguilar al Prócer General Manuel José Arce en su lecho de muerte.


El ocaso de un sol, muerte del General Arce



 
CARLOS ALBERTO IMERY Y LA ESCUELA DE ARTES GRAFICAS


(18 de marzo de 1879 - 27 de julio de 1949) fue un pintor y profesor de artes gráficas salvadoreño.

El 6 de febrero de 1904, Carlos Alberto Imery ingreso como alumno regular en el Real Instituto de Bellas Artes de Roma, siendo 4 años su estadía en donde el rigor académico es neoclásico combinado con el ímpetu impresionista.
Al concluir sus estudios se realizó una tradicional exposición de los alumnos recién egresados, siendo favorables los comentarios hacia la obra de Imery.
Pero debido al éxito y al informe extendido por el director del Real Instituto de Bellas Artes de Roma, el Gobierno de El Salvador extendió la permanencia de Imery en dicha ciudad. En 1908 se le autoriza para viajar a parís a finalizar sus estudios de pintura y ampliar sus conocimientos en litografía y fotograbado.
Regresa al país en 1911 y el entonces presidente Manuel Enrique Araujo se ve urgido a levantar un edificio para la creación de la Escuela de Artes y oficios.
En el interin de 1911 a 1913, Imery establece una academia de dibujo y pintura esperando que el gobierno establezca los organismos indispensables para la enseñanza de las artes basada en un modelo europeo de academia.

Fundación de la Escuela de Artes Gráficas.

El 15 de septiembre de 1913, el entonces presidente Carlos Melendez firma el decreto de la fundación de la Escuela de Artes Gráficas como una institución estatal y gratuita. Lógicamente su director es Carlos Alberto Imery, quien abre una sección nocturna e introduce la materia de arquitectura, para la cual hace venir al maestro Pascasio González.
En lugar de mirar hacia Europa a través de revistas y viajes, se trajo de Italia y Francia a un salvadoreño para dirigir la escuela nacional que incluyera dibujo litográfico, arquitectónico, industrial y de ornamentación, fotograbado, mecanografía y estenografía y desde luego la teoría necesaria que acompaña a todas estas materias.
La escuela de Artes Gráficas es dirigida durante treinta años por el mismo maestro, quien igualmente es profesor del instituto Politécnico. Imery contrata a un cuerpo de docentes de igual formación internacional que contribuyen al progreso arquitectónico del país. En el campo de la pintura y escultura definitivamente fue la Escuela de Artes Gráficas la que sistematizo las maneras del quehacer artístico.
En pintura, Imery deja su huella en muchas obras, de niño fue discípulo de Marcelino Carballo, pero realmente depura su talento en Europa; y el dominio de la línea, el color, la luz, las perspectivas atmosféricas y lineales se las debe al impresionismo y al neoclasicismo.
El funcionamiento de la Escuela de Artes Gráficas, representa, para la evolución del arte salvadoreño uno de los periodos de mayor proyección modernizante en la historia del siglo xx en El Salvador. 

En mi visita al museo Marte aprecie la obra de Imery




Campesina - Imery - Museo Forma


 
Al hablar de otro impulsador de la pintura salvadoreña, fue el español Valero Lecha, quien leyendo su vida e historia me parecio muy interesante y considero que la informacion que recopile es muy importante.


VALERO LECHA



Valero Casimiro y José Lecha Alquezar nace en Alcorisa, provincia de Teruel, Aragón. A los diecisiete años de edad parte hacia Argentina donde se dedica a pintar paredes de edificios y casas, hace de albañil y rotulista, cuando prontamente se cuela como asistente de escenografía en la compañía teatral de Leopoldo Fregoli, con la que recorre toda América Latina.

En Honduras contrae matrimonio con Elidia Martine y, a causa de una revolución de ese país se traslada a San Salvador, donde recibe apoyo de Ricardo Sagrera, quien lo beneficia introduciéndolo al medio salvadoreño, donde deja muestras, en esta época en los murales de desaparecido Bar Lutecia. Ingresa a la escuela de Artes Gráficas con Imery, para después continuar depurándose en Madrid junto a Pla.

En 1936 vuelve al país, donde es de nuevo bien recibido por sus mecenas inicial. En esta ocasión instaura su academia. El objetivo de Lecha era poder recibir a todos aquellos que se sintieran atraídos por el arte pictórico, independiente de su capacidad económica; así comienza una disciplina de carácter seriamente artístico. En esta enseñanza la técnica, el dominio pictórico del realismo español, con ello sus alumnos desarrollan sus propios procesos individuales en distintas circunstancias, gracias a la preparación recibida en el estudio que sirve de academia, ubicado en la segunda planta del edificio principal, frente a la plaza libertad del centro de San Salvador.



LA ACADEMIA DE DIBUJO Y PINTURA DE VALERO LECHA



El establecimiento de la Academia de Dibujo y Pintura de Valero Lecha constituye un hecho de gran significación para la historia del arte salvadoreño del siglo xx. La academia fue de carácter privado y estuvo en actividad hasta finales de los años setenta.

Gracias al pintor Valero Lecha y a su academia, que El Salvador vuelve a tener contacto directo con el arte plástico español. La Academia de Valero Lecha instruye a sus artistas dentro del realismo costumbrista y el paisajismo.

La academia de Valero combinaba el ejercicio al aire libre (plein air) para captar los brillos, reflejos  sin intersecciones, recortados y divididos con potencial luminosa.  La importancia de la existencia de la Academia de Dibujo y Pintura es que muchos discípulos salvadoreños que prontamente se convierten en una medular generación artística. Julia Díaz, Noé Canjura, RaúlElías Reyes y Mario Araujo pertenecen a la primera generación, siendo el estilo realista español el modelo y praxis a seguir en cuanto a la forma: dominio del dibujo, color, luz, volumen, composición; los géneros igualmente tratados son retratos puros, bodegones, paisajes, escenas de la vida cotidiana rural y urbana. Esta decisiva academia abre sus puertas en 1937, tras el regreso de Valero Lecha, después de permaneces en su patria formándose como pintor.



LOS ALUMNOS DE VALERO LECHA



La labor docente, en la rama artística, del maestro aragonés es importante para el desarrollo de las artes visuales del siglo xx en El Salvador. El realismo costumbrista  y paisajismo, instituidos por la academia de Valero Lecha por muchas décadas, recorren el arte nacional y son géneros replicados a lo largo del siglo xx.
Visitando el Museo Marte observe muchas obras del maestro Lecha 


 
El Gallego - Valero Lecha - Museo Forma

En los siguientes videos podemos ver un poco mas sobre el legado de Valero Lecha 




 VIA CRUCIS 

Una de las alumnas del Maestro Lecha fue:


ROSA MENA VALENZUELA

Rosa Mena Valenzuela nace en San Salvador en el seno de una familia de ascendencia española, francesa y eslava; su madre Emilia Valenzuela y su padre, el eminente abogado, compositor y músico, el doctor José Mena, le propician desde su infancia un ambiente motivador hacia sus inquietudes artísticas. Según Claudia Lars, Rosita estaba rodeada del fino espíritu de su abuela materna, cuya casa era frecuentada por artistas como Gianolli, María de Baratta o Angelita Peña, quienes se reunían a tocar el piano de la casa del Dr. Mena.

Sin embargo, aun cuando sus padres se enorgullecían de que su hija ganara, año con año, el premio Nacional de Dibujo en el colegio de JeunesFilles Jean D Arc. No aceptaron que durante su adolescencia Rosita se dedicara totalmente al arte.

Esta confrontación con sus padres tal vez hizo mella en la actitud artística formal de la pintora, que decide inscribirse en la academia de Valero Lecha, quien percibe que algo recio y fino se esconde detrás de aquella muchacha.

En 1973 abre una academia artística de enseñanzas, siendo sus primeros alumnos personas que le envía su antiguo maestro Valero Lecha. A ella no le interesa recrear las apariencias visibles de las figuras ni la sensibilidad halagadora de los colores sino el planteamiento de los conflictos íntimos del hombre; pinta sus retratos de memoria, tratando de interpretar su estado anímico.



El el museo Marte aprecie obras de Rosa Mena Valenzuela, sus pinceladas no muy precisas forman figuras muy abstractas y entendibles. 









 

El vía crucis de esta artista es abstracto, y el dramatismo de  Jesús en el vía crucis son retratados en la obra de la artista salvadoreña. El vía Crucis es elaborado con una técnica mixta y consta de óleo, tempera, tintas, plumón, tela sobre cartón dentro del grafismo que se impregna en cada uno de los 14 cuadros.


Es una colección privada de Guillermo y Gloria Borja quienes permitieron exhibirlas en el museo Marte.







ROBERTO HUEZO 


Roberto Huezo es un pintor, ceramista, dibujante salvadoreño, podemos dividir su obra en dos momentos: los años de la guerra y los años que le siguieron. Durante la guerra Huezo fue un férreo defensor de los derechos humanos muy allegado al pensamiento de los jesuitas en ese entonces realizo diferentes dibujos que mostraban el suplicio del pueblo y el clamor por justicia, autor de los vitrales del via crucis en la capilla de la Universidad Centro Americana Jose Simeon Cañas.


La pintura de Roberto Huezo es siempre una huella, un andar, un recorrido del ojo silencioso y anhelante ante el dolor y el grito de su pueblo.

Fueron inspirados en el dolor y sufrimiento del pueblo salvadoreño en los años previos a la agudización militar del conflicto, se caracteriza por la aparición de cuerpos asesinados, torturados y masacrados en cualquier lugar de El Salvador. Los cuadros expresan el dolor que el pueblo ha cargado, como inmensa cruz camino a su liberación por eso es de estilo expresionista. 

Mi visita a la Capilla de la UCA pude observar las 14 estaciones que este gran artista realizo









LUIS LAZO 


Luis Lazo nació en San Salvador el 6 de enero de 1960.
Ha estudiado en escuelas de arte como la de Diseño Gráfico de la Universidad Iberoamericana, en México D.F.; la Academia de Pintura de Rosa Mena Valenzuela, en San Salvador; el Taller de cerámica de Alfonso Mirón, en Guatemala y la Academia de Arte Lorenzo de Médicis en Florencia, Italia.
El es el autor del Via Crucis ubicado en la cripta de Monseñor Romero en Catedral Metropolitana de San Salvador.
Luis tiene una gran fe en el catolicismo y eso lo impuso a pintar cada una de las estaciones que Jesucristo vivió. Los cuadros representan figuras basadas en la biblia y en libros de imaginería católica, y utilizo un lenguaje sencillo y directo para que lo puedan entender todos.

Los cuadros de gran formato (2 por 1.5 metros), en técnica acrílico sobre tela, representan cada una de las estaciones de la Pasión de Cristo, desde su aprehensión hasta su sepultura y resurrección.


Visite la cripta de la Tumba de Monseñor  Romero lugar donde se pueden apreciar las 14 estaciones de este gran  pintor salvadoreño, su estilo es manierismo.









El tercer momento de la pintura salvadoreña fue con el maestro Carlos Cañas,  conozcamos  un poco sobre su trayectoria artistica y sus obras mas representativas. 


CARLOS CAÑAS



Nace en San Salvador el 3 de septiembre de 1924 y muere en San Salvador el 14 de abril de 2013 a la edad de 88 años.

Fue uno de los mayores exponentes en la historia de la pintura de El Salvador. Se considera el precursor del arte abstracto en su país, aunque su prolífica obra se expresó en diferentes corrientes artísticas a través de los años. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Gráficas de El Salvador y en 1944 egresó como profesor de Dibujo, Pintura e Historia del Arte. En 1950 viajó a Madrid becado por el Instituto de Cultura Hispanoamericana. Regresó a El Salvador y fue catedrático en la Universidad de El Salvador, donde se desempeñó como profesor de la Escuela de Arquitectura. En 1974 fungió como jefe del departamento de artes de promoción cultural en la misma institución.

También ejerció el cargo de director del Centro Nacional de Artes (CENAR) entre los años 1996 y 2001.



Su obra más representativa es el fresco del Teatro Nacional que cuenta la historia del siglo xx en El Salvador. 


Fresco de Carlos Cañas en el Teatro Nacional de San Salvador

Carlos Cañas pintando la cúpula del Teatro Nacional







 Su lienzo más conocido es Sumpul (1984), un homenaje a las víctimas de la masacre del río Sumpul de 1980, la cual "tiene tonos fríos, oscuros, grises, lo que pone al espectador en una atmósfera de sueño o pesadilla".


Sumpul (1984) - Museo Marte



En el museo Marte observe una galeria llamada "Carlos Cañas antes de su partida" que estuvo en exhibicion del 14 de abril al 15 de mayo, sus obras son muy interesantes uso mucho lo abstracto, se pueden apreciar figuras asemejando siluetas humanas, por su forma la mayoria son mujeres, me llamo la atencion la forma en que combina los colores, la acentuacion de los pigmentos y sus pinceladas muy seguras. 


Parte de la galeria expuesta 
 





 


Vista de la exposicion de las obras de Carlos Cañas


Otras obras del maestro Cañas en el Museo Marte
 



Narrativa del conflicto armado




MURAL COMPAÑIA NACIONAL DE DANZA (Biblioteca Nacional)



En la terraza de la Compañia Nacional de Danza se encuentra un mural de Carlos Cañas elaborado en 1962, esta hecho en acrilico  y muestra el arte cubista. 

El cubismo representado por Carlos Cañas



En el mural fue elaborado en 1962

Video sobre las obras de Carlos Cañas



CAMILO MINERO 


Camilo Minero nacio en Zacatecoluca, el 17 de noviembre de 1917 y murio en San Salvador el 6 de mayo de 2005.
Minero trato de plasmar en sus obras la realidad social de los pueblos latinoamericanos. En 1996, e gobierno de El Salvador le otorgo el premio Nacional de Cultura.
Sus inicios en este arte comenzaron a los 13 años. Después cursó estudios de pintura en la Escuela Nacional de Artes Gráficas de El Salvador, bajo la dirección del maestro Carlos Imery. Estuvo becado por el Estado salvadoreño, y estudió en México con los grandes muralistas como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros.

Obras de Camilo Minero:

El Huacal - Camilo Minero 



La escuela rural - Camilo Minero


 Video donde podemos conocer un poco mas sobre las obras de minero


VANGUARDIAS SALVADOREÑAS 


Las vanguardias salvadoreñas tienen influencia de Paris, Madrid, Nueva York y Mexico, siendo introducidas por cuatro grandes pintores como lo fue Toño Salazar primo hermano de Salarrue;  Salarrue con su estilo cubista, Zelie Larde quien fuera esposa de Salarrue y quien pinta la cosmovisión salvadoreña, paisajes rurales y su estilo seria el cubismo, y por último el pintor Mauricio Aguilar con su estilo abstraccionismo y suprematismo.

Fue la época del glamour en las artes salvadoreñas donde según la historia fueron personas muy cultas y educadas en grandes academias, tenían buen estatus social, fue una época en donde el arte salvadoreño revoluciono en gran medida. 

TOÑO SALAZAR (1897-1986)

(Santa Tecla, El Salvador, 1 de junio de 1897 - Santa Tecla, El Salvador, 31 de diciembre de 1986) fue un caricaturista, ilustrador y diplomático salvadoreño cuya obra alcanzó un alto reconocimiento en la primera mitad del siglo XX.

Considerado por Francis de Miomandre como el caricaturista más asombroso y original del siglo xx, y por Gómez Carrillo como el Charlot de la caricatura, Antonio Salazar incursiona en el arte junto con su primo hermano Salarrue, gracias a las enseñanzas básicas de SpiroRossolimov, en 1916.
Toño Salazar es tal vez el más universal de los artistas salvadoreños. Recorre en vida la evolución de las vanguardias latinoamericanas y europeas: el muralismo mexicano, la vanguardia de argentino alrededor del grupo Nexus, el universalismo constructivo de Torres García, el cubismo, el futurismo, la abstracción, el suprematismo, el neoplasticismo, la pintura metafísica, etc. 





Obras de Toño en el Museo Marte





SALVADOR SALAZAR ARRUE 


El maestro Salarrué nació en Sonsonate en 1899, y es considerado el más completo artista-literato que ha nacido en El Salvador. Escribió una vasta obra literaria, entre ellos el famoso Cuentos de Barro, y también fue un prolífico pintor.
Estudió pintura en Corcoran de Washington, y realizó exposiciones en USA, dinde fungió como agregado cultural, y posteriormente, en El Salvador llegó a ser Director de Bellas Artes.
Fue esposo de otra gran pintora "Zelie Larde"  Murió en San Salvador en 1975.


Su lenguaje suele ser gráfico y metafórico. Alcanza una situación en la cual las cosas inanimadas y aquellas animadas: los minerales y los objetos, los vegetales, los animales, sin excluir al ser humano, incluso el agua y el aire y lo que en éste transita, como el olor y el sonido, todo aquello que normalmente nos rodea, asumen otra personalidad, otra naturaleza y otra virtud. Peculiar sustancia los transmuta transportándolos a una especie de zona intertidal entre la realidad y la ficción, entre lo concreto y lo ilusorio y lo abstracto, entre lo filosófico y lo esotérico también.

Obras expuestas en el Museo Marte del maestro Salarrue 


Junto a una obra del maestro Salarrue en el museo Marte 

Bodegon - Salarrue


Un poco mas sobre la vida de Salarrue



Otro impulsador de las vanguardias salvadoreñas fue:



MAURICIO AGUILAR 


Manzana - Mauricio Aguilar

(1919-1978), salvadoreño. Con algunas etapas anteriores, alcanza una concepción de la pintura en la que pinta cosas sencillas otorgándoles una dimensión poética, algo mística, y recurriendo, en ocasiones, al monocromatismo.

Siendo aún niño, sus padres lo llevan a Paris y se inicia en el taller de Christian Berad (1902-1943).

La creación de Mauricio Aguilar es de autorreflexión, de libre indagación sobre los procesos creativos y en medios y lenguajes que le son propios. Su pintura, consiente de su condición bidimensional, rechaza la ilusión de profundidad y se centra en su condición de objeto plano. Su tendencia es minimalista lo consideraban un artista fuera de contexto dentro del desarrollo del arte salvadoreño.

Obras de Mauricio Aguilar en el Museo Marte

Pera - Mauricio Aguilar 



ZELIE LARDE 



Zélie Lardé Arthés (11 de agosto de 1901 - 27 de octubre de 1974) Zelie Larde es la primera pintora primitivista autodidactica del siglo XX. Fue la esposa del creador Salarrue, con quien compartio una larga y maravillosa vida dedicada al arte. Su trazo expresionista de línea gruesa y colores puros representa escenas coloridas de la vida cotidiana, de la infancia de los sectores campesinos y marginales de la sociedad mestiza salvadoreña. Evoca mucho la infancia y el papel de la madre con un candor y una ternura tan explicitos y consecuentes con la forma que los envuelve, que pareciera tener la intención de ilustrar el encantado mundo de baro y cipotes de los cuentos de Salarrue. Cohesiona el género costumbrista abordado en pintura como en la literatura.







La sencillez y la humildad de niños y mujeres quedan patentes en un lenguaje ingenuo, presagiando un estilo que es abordado décadas después por muchos de los pintores salvadoreños. Con esto, la creación femenina es vanguardia del arte considerado no académico y con el cual Zelie se adelantara a las apropiaciones del arte popular hacia el arte “mayor”, propias del primitivismo de los setenta. En comunión con su esposo y sus hijas Maya, Olga y Aida, transmite en sus obras plásticas el mundo mágico y original de auténticos artistas.

Recreo de escuela - Zelie Larde - Museo Forma 



JULIA DIAZ  - MUSEO FORMA 


Museo FORMA Fundado en 1983, tras la iniciativa de la prestigiosa pintora Julia Díaz
(Cojutepeque, 23 de mayo de 1917 - San Salvador, 22 de octubre de 1999) fue una pintora y fundadora de la primera galería de arte en El Salvador.





Nadie que haya seguido con verdadero interés el movimiento de las artes plásticas en El Salvador pudo haber ignorado el esfuerzo entusiasta de Julia Díaz para crear, con su personalidad dinámica y su indiscutible valor artístico, un verdadero centro magnético del arte por el intermedio de la ya famosa Galería Forma.

Su pintura refleja lo propio de una conciencia social, natural, vivida; una tendencia constante en el sentido de lo dicho, que conmemora un acercamiento con lo humanístico. Es un fiel reflejo de esa fracción del mundo que tenía frente a ella. Su obra domina más lo sentimental que lo meramente físico. 

Temas preferentes en el arte de Julia Díaz

Los temas preferentes son los niños, las mujeres y los campesinos, los cuales se convierten, en el gesto pictórico de Julia Diaz, es símbolo de los hechos patentes de nuestra sociedad. Se dedica también a retratos de sus seres más apreciados, a quienes configura de una manera más precisa. En ellos su trazo se vuelve más lineal. Los contornos se limitan gracias a un dibujo firme, el volumen cobra fuerza ya sea por el buen contraste de luces y sombras o la perfecta gradación de los colores.
Julia Díaz muere en 1999, tras un largo periodo de sufrimiento de casi tres años. 

Ejemplo de ello es la visita que realice al museo Forma donde pude observar parte de la galeria privada de esta gran artista. 

Fotogarfias de Julia Diaz 

El grito - Julia Diaz 

Hermanos - Julia Diaz 

Parte de sus pertenencias personales y fotografias que describen su estapa artistica 



Admirando las obras de Julia Diaz 

FERNANDO LLORT

Fernando Llort Choussy (San Salvador, 7 de abril de 1949) es un artista visual salvadoreño. En su juventud realizó estudios de Teología y Arquitectura, y en los años 1970 residió en la localidad de La Palma, donde fundó un centro de artesanías que dio origen al denominado “estilo palmeño”.  También ha realizado obras artísticas en el campo de la música, el dibujo, la pintura, la cerámica, y la escultura..


El mural de la Catedral Metropolitana

Mural de Llort - Catedral Metropolitana

En los años 1990, Llort fue elegido para emprender lo que ha llamado “lo más grande” que le ha pasado en su vida. En 1997 los arquitectos españoles encargados de concluir la construcción de la Catedral Metropolitana, le invitaron para que presentase alternativas para la elaboración de un mural en la fachada del templo. El diseño final fue aprobado por los mismos arquitectos, la empresa constructora y Fundación Catedral junto al arzobispo Fernando Sáenz Lacalle.
El montaje del mural duró un año y llevaba por nombre “La armonía de mi pueblo” Estaba compuesto por cerca de tres mil azulejos.

Lastimosamente Arzobispo Escobar Alas ordena quitar el mural, faltandole el respeta a un admirado artista como lo es Llort. 


Obra de Fernando Llort - Museo Marte

ARTISTAS EMERGENTES 


Al hablar de artistas emergentes es mencionar que es una generación reciente  en El Salvador que se espera que de ahí salga en cuarto momento de las artes salvadoreñas, esperemos  que así sea y también son artistas que se dedican a crear y vender sus obras a un público en general.
 Entre los artistas emergentes tenemos a:

RODOLFO MOLINA

Comenzó a estudiar pintura cuando era niño en el estudio de Mina Heymann quien representaba la escuela de Valero Lecha.
“Rodolfo Molina es talento, Rodolfo Molina es juventud.  El talento es siempre joven; en Rodolfo es un talento precoz, lleno de mundo interior, de búsqueda con síntesis personal, de fuerza distribuida.  Rodolfo Molina calla, oye…y pinta.   Rodolfo absorbe,  observa... y pinta.   La atmósfera que lo rodea propicia la concentración, la disciplina libremente consentida y el espíritu activo.

Unas de sus obras mas representativas son:




El banco - 1986

Silla de palo - 1987

La silla era el elemento más importante de la obra. A partir de esta obra comenzó a utilizar la silla como un símbolo del opresor y el oprimido. Con la silla como iconografía personal, Rodolfo Molina comenzó a desarrollar una obra que está bien pintada y es atractiva.


SONIA MELARA

El balance perfecto entre lo erótico y lo clásico se logra en los trazos de la pintora salvadoreña Sonia Melara. La artista, que reside en Nueva York, ha cambiado su estilo clásico a uno más pop y desde hace un tiempo se dedica a la difusión de las obras de jóvenes salvadoreños en Estados Unidos.

Promueve el arte joven, colabora con la ONU tiene un cargo honorario y ad honorem en el Programa de Desarrollo de las Naciones Unidas como miembro de la Misión Permanente de El Salvador. Entre sus proyectos de difusión y exhibición del arte cuscatleco, Sonia destaca dos: Highlights y la exhibición de Jóvenes Estudiantes de Arte de El Salvador.

Obras representativas de sonia Melara



WALTER IRAHETA


Nace en San Salvador el 5 de junio de 1968.
Es graduado del Centro Nacional de Artes de El Salvador (CENAR), 1984 - 1986. Estudió artes aplicadas (con especialidad en Diseño Gráfico) en la universidad Dr. José Matías Delgado, de El Salvador; 1991 - 1995. En 1997 fue becado por " The Chicago Cultural Center " para participar en un intercambio de artistas y un taller de grabado.
Ha realizado 10 exhibiciones personales en El Salvador, Honduras, Guatemala y
Estados Unidos. También ha participado en más de 50 exposiciones colectivas en ciudades de Centroamérica, México, D. F., Chicago,. Miami y Washington, EE.UU; Madrid, España; París, Francia; Tokio, Japón; Taipei, Taiwan, y Ottawa y Montreal, Canadá, entre otras.
Actualmente es catedrático en las facultades de Comunicaciones y de Arquitectura de la universidad "Dr. José Matías Delgado", vive y trabaja en San Salvador.

Arte de Walter Iraheta


RONALD MORAN



Nació en El Salvador en el año de 1972 en 1990 estudio Bachillerato en Artes Plásticas, Centro Nacional de Artes CENAR San Salvador, El Salvador
En 1994 realizó estudios avanzados de Artes Aplicadas (Diseño Gráfico), Universidad Dr. José Matías Delgado, San Salvador, El Salvador.
En el año 2000 le otorgan una beca por el gobierno de México, Oaxaca, México.


obras de Ronald  Moran exhibidas en el Museo Marte 



A través del juego de las apariencias ironiza el concepto de agresividad alterando las paredes, los objetos y todo el entorno al tapizarlos con peluche, provoca en el espectador la sensación de extrema suavidad y limpieza, da la impresión que ese espacio ha sido diseñado con fines recreativos, el propósito de esto es, jugar un poco con lo contrario en la naturaleza de las cosas, recreando en un escenario común, características similares a los cuartos especiales en los manicomios, donde se alberga a los pacientes con severos problemas mentales como puede ser la esquizofrenia.


RENACHO MELGAR – ARTISTA QUE CAMBIA EL PASAIJE DE PAIS



Renacho aclara que está casada con su esposa que es el paisaje. Tiene  un taller en el centro de San Salvador en la primera calle poniente, atrás de la basílica del Sagrado Corazón, con el apoyo de su esposa Gabriela.
Comenzó a pintar en 1999, agarró un articolor y pintó una de sus manos y en ese mismo año se dio  cuenta que podía trabajar con el color.
El divide su obra en  dos vertientes, camuflaje y ambulante. Camuflaje es pintar puertas y paredes, todas las piezas tienen que estar al aire libre.

 Ambulante son todas mis piezas que andan dándole color a la ciudad, equilibrando la balanza entre lo triste, lo melancólico y lo feo.







MAIRA BARRAZA





Nace en 1966 en San Salvador, actualmente Vive y trabaja en San Salvador.
Las  obras sobre animales de Barraza abordan de manera novedosa el dilema entre naturaleza y cultura a través de retratos realistas de animales al óleo sobre terciopelo y otras superficies crudas.
Las obras buscan contrastar el término – su uso común y estereotipo – con la imagen del animal al que se refiere originalmente, generando así capas complejas interrelacionadas de significados entre la figura animal y la figura humana.
Este conjunto de obras destaca en la sólida trayectoria de esta artista y en ella podemos apreciar el amplio registro conceptual de la artista así como regocijarnos en su extraordinario manejo de la pintura y el dibujo.

ALEXIA MIRANDA


Nace en 1975,

Estudió Humanidades, Danza Contemporánea y Artes Plásticas en la Universidad de Las Américas Puebla, México, así como en la Escuela Nacional de Danza Morena Celarié. Estudió Psicología Transpersonal y Lenguaje Psicocorporal en Universidad Dr.José Matías Delgado. Ha realizado exposiciones en: México, Costa Rica, El Salvador, Honduras, Estados Unidos, Nicaragua, Guatemala, Cuba, Santo Domingo, Lituania, España, Argentina, Venezuela, Chile , Colombia, Berlín y Brasil.




En conclusión hemos visto como ha venido evolucionando el arte salvadoreño donde poco a poco los artistas han venido innovando con sus diferentes técnicas de pintura, escultura y proceso creativo, gracias a estos artistas podemos apreciar la esencia del arte en El Salvador y ellos son un ejemplo a seguir para hacer arte en el pais. 







































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